Aquí va mi crítica/opinión de la escena hard dance española que comenté en algún post. Antes de nada decir que me ha salido un texto bastante más largo de lo que pensaba así que lo publicaré por partes (serán unos 5 aunque aún no he pensado como partirlos) y los pondré cada 2 días más o menos. He pensado en poner cada parte a partir de este en un comentario nuevo para así los que sigan sepan cuando lo publico e ir por partes y además lo añadiré a este primer post para tenerlo todo junto.
Por otro lado, para que entendáis a lo que me refiero he puesto ejemplos de temas de otros estilos que expresan lo que quiero decir. Esto que he escrito está dirigido sobre todo a productores (aunque a cualquiera que le interese saber sobre esto también le servirá) así que no se trata de ver si gusta o no o de disfrutar de los ejemplos que he puesto. Se trata de dejar de lado los gustos personales de cada uno y de escucharlos de una manera racional y analítica, de escuchar las características, de pensar como lo han podido hacer y a quién le interese importarlos a sus temas.
Para terminar decir que el texto tiene tanto contenidos objetivos como percepciones subjetivas, así que sobre todo por este último no lo toméis como algo absoluto, cualquiera puede tener otra opinión y ser igual de válido. La elección de los ejemplos también se basan en mis gustos, otra persona podría poner otros ejemplos muy diferentes y que no tienen por que concordar con lo que yo he dicho pero que también sean igual de válidos.
Sin más que decir aquí os dejo mi crítica/opinión:
Esencia:
Parte 1:
Spoiler: MostrarComo el nombre del género muy bien se trata de estilos “duros” que tienen como finalidad hacer bailar. Esta “dureza” se puede expresar de bastantes diferentes maneras, unas veces siendo “duro” en un sentido estricto que dan una sensación de agresividad, otras veces siendo enérgico y eufórico que dan la impresión de velocidad… pero en cualquier caso se basan en intensidad.
Sino pensad en cuando os vais a dormir: para esto lo que hay que hacer es relajar el cuerpo y la mente y cuando más fácilmente lo conseguimos es cuando no hay ningún tipo de estímulo llamativo, esto es, no hay nada visual (luz intensa o cualquier imagen), ningún sonido, ni ninguna otra cosa que pueda llamar la atención. En cambio si lo que buscamos es algún tipo de activación física, los estímulos intensos pueden ayudarnos a ello: pensad en el entrenador de algún equipo deportivo que grita a sus jugadores para motivarles o en la intensidad del volumen de una discoteca para euforizar al publico, o en un caso extremo el de una activación excesiva como el del estrés, producida por exigencias excesivas y/o por exponerse a ruidos constantes sin tener momentos para relajarse.
Con esto lo que quiero decir es que el cuerpo y la mente están preparadas para reaccionar frente a los estímulos externos, cuya razón no ha sido más que la supervivencia de la especie, relajándose cuando no hay estímulos intensos y activándose cuando se perciben, siendo la activación más intensa cuanto más intenso es el estímulo. Por lo tanto se puede concluir que la energía se origina como consecuencia de estímulos intensos y bruscos.
La música no es algo que escapa de este hecho, sino que lo tiene en cuenta y lo aprovecha para crear diferentes estados emocionales/mentales. Así en la música que pretende relajar se usan sonidos más apagados, con una progresión mucho más lenta y con cambios lentos y sutiles para que no “despierten” al oyente, mientras que en la música intensa se usan sonidos con mucha más presencia y más ataque, y los cambios suelen ser bruscos para mantener al oyente activo y no aburrir. También en este caso es necesario usar momentos en los que no sea intenso, como lo son los bajones, para no saturar y así no cansar y aprovechar que el siguiente cambio de un momento relajante a uno intenso pueda ser brusco y así ser más efectivo.
Uno de los mayores errores que veo en el hard dance español es creer que esta intensidad se basa en la velocidad y llegar a la conclusión errónea de que cuanto más rápido sea un tema, más cañero y más enérgico es. Sin lugar a dudas, la velocidad influye pero no es algo absoluto, y la influencia que puede tener este factor depende de como este compuesto la canción, siendo posible un tema lento con mucha energía y otro más rápido sin tanta energía. La velocidad crea intensidad en la medida de la cantidad de elementos que suenen en un momento concreto, así si suenan muchos sonidos intensos en poco rato, entonces ese trozo sonará muy intenso, mientras que si suenan pocos el resultado será más suave. Esto se nota viendo la forma de onda de un tema en un editor de audio, en el que los momentos más intensos se ven más oscuros (o del color que esté asignado la forma de onda). No hace falta decir que la velocidad hace que la cantidad de elementos que suenen en un momento dado sea mayor o menor. Os pongo varios ejemplos de temas lentos, pero que tienen momentos de gran intensidad y de energía:
Prestad atención especialmente al min 1:30 que es el momento en que cambia de ser un tema tranquilo y pausado a ser enérgico pero manteniéndose pausado. A pesar de mantenerse a 120 bpms, el sonido, que tiene mucha presencia, resulta intenso, y la relación entre las notas tocadas crea tensión.
Este tema es aún más lento (85 bpms), tranquilo (por momentos) y pausado que el tema anterior. El ritmo pausado y el piano crean un pasaje tranquilo pero más que relajar crean una atmósfera inquietante, pero en el momento en que entra el sonido ácido (min 2) en el que cada vez se intensifica más también entran otros sonidos intensos como los timbales, el sonido de un coro que va y viene y ciertos sonidos metálicos que hacen que el pasaje resulte muy intenso.
En este caso es un tema cañero y enérgico a pesar de que va a 120 bpms. Me parece un buen ejemplo ya que el principio del tema y el estribillo parecen que van a diferentes velocidades pero esto es una ilusión a causa de los elementos presentes (o ausentes en el inicio). A partir de este hecho yo defino un tema cañero como aquel que parece que va más rápido de lo que realmente va.
El hard dance español va a una velocidad relativamente rápida, pero sus elementos para nada tienen esa energía e intensidad que se le puede pedir (y exigir) al género, por lo que el resultado suelen ser cosas pegadizas pero sin fuerza. Más adelante analizaré estos elementos con más detalle.
Parte 2:
Spoiler: MostrarProgressivo:
De los estilos que menciono es el que hace mayor énfasis en los sonidos, cosa normal teniendo en cuenta de que viene del trance. El problema que veo es que al final toda la esencia se basa en melodías o cantadas pegadizas sin esforzarse en crear sonidos y partes intensas, como las que había y hay en el uplifting trance y hard trance ingles y alemán. Creo que es necesario que este estilo retome a sus orígenes y aplicar estas características con la tecnología actual. Un par de ejemplos, uno de hard trance ingles y otro hard trance alemán, en el que usan melodías con sonidos intensos:
Bumpin:
Un error en el bumpin es creer que su esencia se basa en unos sonidos muy concretos e incluso hoy en día en el tener en su estructura algún pasaje característico, como lo es el del reboteo. En realidad ningún estilo se crea en base a un sonido o estructura particular, sino que surge en base a la esencia y a sus características globales. Por eso recomiendo a los bumpineros que de vez en cuando dejen de lado estas cosas concretas y busquen formas alternativas de crear temas con la misma esencia, que para mi, hoy en día es la de ser saltarín, juguetón y a veces también infantiloide (sin un sentido peyorativo). Os pongo un tema que desde mi punto de vista encaja perfectamente en la esencia del bumpin pero que no usa los típicos sonidos de este:
Se puede comprobar como con sonidos diferentes se puede conseguir la misma esencia, ya que tanto el ritmo, como el bajo, como la melodía esa tienen características muy parecidas y encajan a la perfección.
Por otro lado, las características juguetonas que adoptó hace tiempo ha hecho que la gente que desea sonidos más serios y “adultos” dejen de lado este sonido , dejando un público minoritario para el estilo. Pero lo cierto es que, en los orígenes de los sonidos donk, este sonido no estaba en conflicto con los sonidos más serios y había un gran número de gente (tanto mayor como joven) que lo apreciaban. Uno de los ejemplos es el de “Tony De Vit – The Dawn (Paul Janes Remix)” que une elementos el trance de aquella época con los ritmos y sonidos hard house.
Creo que es necesario que el bumpin vuelva hacia los terrenos más serios, sin que deje de lado su cara más divertida, para poder captar la atención de un mayor público y de un publico mayor también, que pueda tomar más en serio estos estilos y esta escena.
Poky:
Si consideramos su esencia como la de ser base, entonces creo que el estilo es un error desde su propia concepción y lo que esto me hace pensar es que la gente o no es capaz o no se atreve a hacer un tema sin melodía en condiciones, esto es, que pueda existir por su propia naturaleza y no como “accesorio” de otro tema.
Lo cierto es que resulta más fácil crear secuencias llamativas en base a melodías que con secuencias no melódicas, ya que con lo primero no hay más que mover notas mientras que con lo otro hay que centrarse en otros parámetros que no son tan vistosos e intuitivos. Pero lo cierto es que los sonidos no melódicos, bien usados, ofrecen algo que lo melódico no da. Por ejemplo, los sonidos “hoovers”, muy usados en el hard house, ofrece un tipo de suciedad, seriedad y agresividad que pocos sonidos son capaces de dar; las líneas “acid” pueden ser tan sutiles como agresivas, pero haciendo barridos con la frecuencia de filtro puedes crear subidas y secuencias tanto eufóricas como locas muy características; los “stabs” con los cuales puedes crear secuencias serias muy características variando las notas. Sería interesante usar estos sonidos u otros del estilo para hacer temas completos con una esencia un tanto diferente al de los otros estilos, pero que fuesen complementarios.
Elementos:
· Base rítimica:
Spoiler: MostrarJunto con el bajo, uno de los elementos más importantes de la música dance, ya que son las frecuencias más bajas las que contienen mayor cantidad de energía y hacen mover el cuerpo. En este caso, el que tiene las frecuencias bajas se trata del bombo. Por lo general en el hard dance español, el bombo tiene suficientes cuerpo en las frecuencias bajas, pero a veces le suele faltar esa pegada y presencia que caracterizan las frecuencias medias y altas.
En cuanto a los claps (palmas), hasta ahora no he oído en nuestra escena una en condiciones, que tenga cuerpo y presencia, en general todos me suenan flojos. Hay que entender la importancia que tiene este elemento: aunque parezca que la función de marcar el ritmo es el del bombo, en realidad es la función del clap. Sino pensad en la cantidad de estilos y de temas que no siguen el patrón de bombos 4x4 pero que sí están presentes las palmas (o algún sonido sustituto) en los momentos 2 y 4. Ó intentar escuchar alguna parte de algún tema con bombos 4x4 en el que suenen todos los elementos excepto el de la palmada, el pasaje tiene fuerza, pero es como si el tema no te impulsara hacia adelante. Mientras que si oyes el mismo pasaje, pero sin el bombo y con los claps, notareis que estos hacen “avanzar” el tema, como si lo empujaran para adelante, haciendo un pasaje más dinámico que el otro. Y aunque no tenga la fuerza del bombo, el pasaje no carece de fuerza ni es un momento de relajación, sino que sigue manteniendo esa tensión. Es como si inconscientemente la mente “llenara” esos huecos con bombos mentales, aunque no las imaginemos conscientemente. Supongo que será consecuencia del sentido del ritmo que llevamos todos dentro.
Hoy en día no hace falta usar sólo unos claps sin fuelle, también se pueden usar sonidos parecidos como los snare, que tengan más cuerpo y fuelle para darle un empujón mayor al tema, aprovechando el ataque del clap y el cuerpo del snare y después saturándolos para que suenen aún más grandes. Hoy en día (y desde hace más de 10 en algunos estilos) hay muchos estilos muy diversos entre ellos que usan esto mismo y creo que nuestros estilos se beneficiarían si las utilizáramos. Algunos ejemplos de ese uso en diferentes estilos:
Este primer tema demuestra lo que digo respecto a la importancia de los claps para darme movimiento al tema, como asta que entra el clap el tema no arranca del todo a pesar de que antes hubiese los mismos elementos a excepción del las palmas.
Respecto a los demás sonidos del ritmo, me suelen parecer uno o dos loops pobres y aburridos puestos para rellenar el vacío. A parte de para rellenar, estos sonidos también dan fuerza y velocidad a un tema. Imaginad que vais en un coche, si vais por una callejuela estrecha en donde hay muchos elementos, la sensación de velocidad va a ser mucho mayor que si fuerais por un desierto en el que no hubiera ningún elemento a kms. Algo así pasa con la música: si usas muchos elementos entre bombo y bombo, el resultado puede ser más dinámico. Pero no sirve de nada poner elementos sin ton ni son. Tiene que haber una relación entre los elementos para que puedan sonar unidos, y además incluso dentro de un mismo elemento, tiene que haber diferencias sutiles entre los diferentes golpes para que resulte más humano, natural e interesante y no algo estático, como suele ocurrir. Además siempre se puede usar algún elemento percusivo en un primer plano para llamar la atención desde un primer momento. Escuchar el inicio de este tema, para analizar las características de estos sonidos y como van evolucionando en el primer minuto del tema:
Por otro lado, los sonidos rítmicos que he escuchado tampoco tienen ni cuerpo ni garra pero cuando estos elementos suenan grandes y agresivos, su presencia hacen que el tema suene más intenso y agresivo. El schranz se basa en esto mismo.
· Bajo
Spoiler: Mostrar:Los bajos de los temas progresivos y el de los bumpin/poky resultan bastante diferentes pero cada cual tiene lo suyo. En el caso de los progresivos, el bajo suele tener suficiente energía en las frecuencias bajas, lo que le suele hacer bastante potente a primera escucha, pero suelen ser sonidos demasiado “redondeados” o más técnicamente hablando, que carece de muchos armónico. De primeras esto no es para nada negativo, pero es algo que siempre se repite, cuando hay muchas más posibilidades a la hora de crear bajos usando tanto sintes (con posibilidades infinitas a la hora de controlar parámetros y ajustar al milímetro el sonido) como samplers (cantidad de fuentes para ello). Se pueden crear bajos con características tímbricas diferentes usando formas de ondas diferentes, llegando a tener bastante más cuerpo en otras frecuencias sin dejar de ser enérgicos, y usando diferentes fuentes de modulación para darles otro “rollo”. Aquí dejo ejemplos de temas con bajos con diferentes características:
Bajo revertido (el filtro se abre al principio de cada nota):
Bajo rascante (bajo con muchos armónicos, el del ejemplo también usa la característica del bajo revertido):
Bajo resonante (se cierra el filtro con cada nota teniendo la resonancia relativamente alto para que el movimiento del corte de frecuencia resulte llamativo) :
Sub bajos (Casi no se escuchan, pero se sienten. No se si el bajo del ejemplo se podría considerar así, pero sí que tira hacia sub bajos):
Bajo tipo electro-house (Bajo con muchos armónicos con glide para que tenga subidas y bajadas llamativas):
Además las líneas de los bajos de este estilo suelen ser muy parecidos. Yo he advertido 2 tendencias generales: la de usar el bajo a cotratiempo, resulta muy sencillo pero efectivo y le da mucho movimiento al tema; y la de usar un patrón de notas a lo largo de varios bombos. El problema que veo de este segundo aspecto es que los patrones, o son siempre las mismas o es que varían mínimamente, y además se suele utilizar siempre las misma octava. Y no entiendo la razón de ello, hoy en día no hay excusa para no hacer frápidamente patrones diferentes y además usar diferentes octavas, que pueden darle un toque interesante. Para ello se pueden aprovechar un poco mejor los arpegiadores de los sintes que son muy fáciles de usar.
Estar atentos al bajo del primer tema cuando sube:
En los bajos del bumpin/poky suele pasar lo contrario: el bajo tiene un sonido muy característico que llama fácilmente la atención por lo que se suele trabajar en las líneas del bajo pero a veces suele carecer de energía en las frecuencias bajas. Al principio este sonido llamó mucho la atención por sus características y por qué resultaba algo nuevo, pero el abuso de esta característica llamativa se ha vuelto en su contra y mucha gente a terminado saturadísimo del sonido y por tanto del estilo (ya que se ha hecho que sea “EL” sonido del bumpin) y para colmo, para “innovar” el estilo se a recurrido a usar eso del reboteo que no es más que un uso aún más abusivo del sonido. Creo que mal vamos si se pretende levantar un género usando de forma más masiva, y como uno de los ganchos principales del tema, el sonido del que muchos han terminado asta los cojones (con perdón). Y es que resulta muy fácil llamar la atención y enganchar al oyente (que le guste este estilo) usando un sonido tan peculiar, pero es que hay miles de otras cosas que se pueden llegar a hacer, así que si se quiere levantar un estilo hay que buscar otros métodos para llamar la atención. Y no digo que hay que dejar de lado este sonido y el reboteo, pero de vez en cuando dejarlos de lado (o darles menos importancia) y experimentar, probar cosas nuevas y arriesgaos…
· Sonidos:
Spoiler: MostrarVoy a decir lo mismo que he dicho respecto a los claps: asta ahora no he escuchado ningún sonido que tenga ni fuerza, ni cuerpo, ni personalidad y además añado que prácticamente todos (a excepción de alguno) los sonidos son completamente estáticos, lo que lo hacen aburridos. Esto me hace pensar en que en esta escena, o no se sabe profundizar en los dispositivos (instrumentos y efectos) o que no se tiene muchas ganas de aprovechar el potencial de estos. Pienso que lo más probable es el primer caso, y aunque nadie nace sabiendo, tampoco veo que la gente se esfuerce en intentar entenderlos. Pero lo que me parece aún más triste es que soy consciente que hay algunos (pocos) que están en el grupo de los que saben utilizar pero no lo aprovechan.
No se trata solo de conseguir sonidos intensos y grandes, que se pueden conseguir usando varias voces y desafinándolos ligeramente, usando efectos como saturadores, overdrive… sino que además tiene que sonar ricos, lleno de matices y de cambios. No hay ningún sonido en la naturaleza en el que siempre suene igual, por eso ¿Por qué hacer que los sonidos suenen siempre constantes? Y no me refiero precisamente a que haya cambios de notas, que eso se da por hecho, sino que las características del sonido varíe sea tanto en la nota misma como en una sucesión de estas. Aprender a usar las modulaciones (envolventes y LFOs) y veréis que estas asignadas a diferentes parámetros (hay muchas más que la frecuencia de corte, que es la más habitual) se pueden conseguir efector y texturas muy interesantes con las que se pueden captar y seguir manteniendo la atención del oyente.
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Además de eso veo que soléis usar nada más que una línea de riff o de lead en todo momento, puede que a veces dos aunque siempre de una forma sencilla. Hoy en día es mucho más fácil poder rellenar todo el espectro de frecuencias y el espacio usando riffs, arpegios, pads y otros sonidos con una ubicación espacial y un rango de frecuencia específico para que no se molesten entre ellas y así crear un pasaje mucho más intenso e interesante.
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Escuchar con atención este pasaje como diferentes sonidos, con sus características y sus matices, van uniéndose y relacionándose, a la vez que algún sonido va evolucionando durante todo el pasaje, para hacerlo más interesante y que cada vez vaya intensificándose más para euforizar al oyente y así impacientarles y prepararles para la subida.
No me voy a poner a explicar como conseguir esos sonidos ya que hay miles de formas de conseguir miles de sonidos. En youtube hay muchos videos a modo de tutorial que enseñan a como usar ciertos instrumentos y conseguir sonidos. Lo que sí es que os pongo estos videos que no enseñan a como crear sonidos pero que enseñan lo que una persona puede llegar a expresar tocando sintetizadores (según sus palabras:showing you not what a synthesizer can do, but what a man can do with a synthesizer). Prestar especial atención en las características de los sonidos y en la expresividad de estos al tocarlos:
Para más videos de este tocando más sintes:
http://www.youtube.com/user/jexus?blend=1&ob=4
Por otro lado también están las técnicas de sampling con las que se pueden hacer muchas cosas. Yo soy bastante más de sintes que de samplers, pero viendo que en el hard dance español se samplea de forma bastante descarada y sin manipular demasiado (a veces diría que nada), aquí os dejo 2 videos usando estas técnicas de manera original:
· Melodías:
Spoiler: MostrarDesde mi punto de vista es lo único que se salva del género y no por que sean melodías enérgicas, curradas (en cuanto a sonido) y profundas, sino por que son pegadizas y efectivas. Sin lugar a dudas el sonido de los leads se pueden mejorar mucho en cualquiera de los estilos del genero, pero dejando de lado este aspecto (que ya lo he tratado en el punto anterior) yo diría que al que más le falta mejorar es al progresivo, ya que sabiendo de donde viene, a perdido mucho de esa energía, mientras que el bumpin se ha mantenido más o menos en sus características, aunque eso no quita que se pueda mejorar. El usar más notas para rellenar los huecos puede dar mayor sensación de velocidad, un uso correcto del delay y del reverb puede hacer que den la sensación de que la melodía “rodee” al oyente y eso ayuda para que esté se “meta” aún más en el tema, se pueden usar pads intensos (como los del supersaw) “detrás” de la melodía para que dé la impresión de que es la melodía la que suene intensa… Hay muchas formas, todo es cuestión de probar.
Por otro lado, todas las melodías (y riffs) aplican en gran medida el swing, a veces llegando al extremo de notarse demasiado. No es que esté mal usar esto, pero es que así resulta mucho más fácil crear secuencias pegadizas, ya que casi todo el trabajo para ello te lo da el mismo efecto swing.
· Voces:
Spoiler: MostrarOtro de los elementos que más se abusa. Por un lado están las típicas frases de rapeos repetidas una y otra vez y por otra las cantadas. Respecto a lo primero, los fraseos suelen ser demasiado típicos, esto es, ya usados muchas veces en otros temas y además se suelen manipular muy poco o nada. Hay muchos fraseos desconocidos en los bancos de samples y siempre se pueden coger otros cachos de las acapellas de hip hop de gente como Public Enemy y demás, que es de donde han aparecido muchos de esos rapeos, y para manipularlos, probar a trocear cada palabra, meterlas en el sampler de manera que cada nota sea una palabra y hacer cada palabra sea reproducido en loop y jugar con los puntos de inicio y final del loop. Además hoy en día hay muchos efectos que se pueden usar de forma creativa creando cadenas muy interesantes de efectos para que suenen completamente diferente, y esto mismo se puede hacer tanto antes de trocear las frases como después.Spoiler: Mostrar
Sobre lo de usar acapellas hay algo que no entiendo: se habla de cultura bumpin pero después no se hacen más que remixes con acapellas de temas comerciales que van dirigidos a gente con poca o ninguna cultura musical. Lo comercial no es más que la parte más superficial de la música, y aunque sea lo más “visible” a simple vista, escarbando hay una cantidad de música que ninguna mente es capaz de abarcar. Entonces ¿Por qué no usarlo? No solo daría más variedad a la escena, sino que buscando, escuchando y analizando estilos no típicos (guste o no) se pueden encontrar cosas muy interesantes y además ayuda a ejercitar la mente y culturizar. Yo os aconsejo a entrar en varios blogs donde se puedan encontrar albums de diferentes géneros de música y probar a bajar discos aleatoriamente. Os encontrareis con muchas cosas que no os gusten pero también encontrareis sorpresas agradables que os podrán dar ideas e inspirar para hacer música y/ó para hacer remixes. Y no importa que no haya acapellas ni partes separadas de esos temas por internet, el tener que trabajar con un tema entero para hacer un remix es un reto en el que hay que usar más la cabeza y ser más creativo, consiguiendo aprender más.
Creo que este aspecto creativo vendría muy bien ya que no escucho más que usos simplistas de los rapeos y cantados. El oído humano a evolucionado para escuchar mejor las frecuencias de la voz humana por eso resulta tan fácil llamar la atención con elementos vocales, pero de esta manera lo que se está haciendo es dejar el gancho principal al trabajo de otra persona cuando se usan acapellas (no tengo nada que decir cuando el mismo productor junto con el/la cantante es el creador de esa parte vocal) y eso resulta muy fácil. ¿Por qué no dejáis la parte vocal en una segunda fila o de fondo como relleno, dejando el gancho principal a algo creado por vosotros? Eso resulta más difícil.
· FX:
Spoiler: MostrarEn este caso me refiero tanto como sonidos FX que se usan como relleno y para rellenar ciertos pasajes como efectos llamativos que se pueden dar a los sonidos principales de tema, como lo son los efectos glitch.Spoiler: Mostrar
En el primer caso, a excepción de los uplifters y de los sonidos de ruido que que se usan al empezar una nueva secuencia y que van desapareciendo, pues pocos sonidos de estos he oído y tienen su función y su utilidad: en los pasajes en donde no hay demasiados elementos y suene bastante pausado sirven para decorar el pasaje para que no suene vacío y darle cierta variación para que el oyente no se aburra; en los pasajes más enérgicos sirve para rellenar los espacios y las frecuencias para que el tema suene más lleno y por tanto con más energía; o como forma para guiar al oyente hacia un cierto pasaje o justo lo contrario, engañarles haciéndoles creer que el tema va en una dirección concreta para que al final el tema vaya por un camino totalmente diferente y así aumentar el efecto de sorpresa. Os dejo un tema creado en su gran parte en base a sonidos FX:
En el segundo caso, no he oído nada que se pueda acercar a eso. No es que sea necesario usar estos efectos, pero usados con mesura dan al tema unos matices que pueden ser muy atractivos. Se pueden usar plug ins glitch o también en la fase de post producción, una vez tenido el tema en un archivo y sin masterizar, se pueden trocear el tema en cachos pequeños (de duración de una negra, o sea un bombo) y reordenarlos y/o añadirles un efecto diferente a cada uno de ellos. Es especialmente útil para el último compas de cada 8 o 16 compases.
Estructura:
Spoiler: MostrarNo me voy a extender demasiado en la estructura en un sentido estricto, ya que, a pesar de tener ciertas limitaciones como un inicio y final rítmico para los djs (es música principalmente dirigido a las discotecas), puede ser bastante abierto. Al respecto sólo decir que hagáis las estructuras según como la sintáis, a pesar de que pueda ser raro, y no en base a una estructura específica implantada por otros temas. Lo digo más que nada por la fama que tiene este género de ser cuadriculado, aunque yo ni lo he comprobado ni tampoco me ha dado la impresión de eso en los temas puestos en el foro.
Lo que sí voy a tratar de explicar por encima es como funciona la mente a la hora de escuchar música. A pesar de que lo que escuchemos sea en el momento presente, nuestro inconsciente (aunque a veces es consciente también) tiene en cuenta un cierto tiempo anterior al presente (la que queda en la memoria) e intenta predecir lo que va a ocurrir un momento después de la canción. Ambas cosas tienen que ver con los cambios que van sucediéndose en la canción y como consecuencia en mantener la atención del público en la canción. A nadie le gusta que algo se repita constantemente sin ninguna variación, siendo exactamente igual a lo percibido anteriormente y completamente previsible mirando hacia el futuro. Si percibe algo así, en algún momento dejará de prestarle atención; la mente necesita que haya variación en los estímulos para mantener la atención en esos estímulos. Por eso mismo hay que sabe jugar con los cambios, haciendo cambios previsibles/imprevisibles, progresivos/repentinos… y jugando con el orden/caos. Lo previsible hace que el tema se mueva en un terreno conocido y así el oyente se sienta cómodo, lo progresivo ayuda a alargar una secuencia sin que resulte aburrido, mientras que cambios imprevisibles y/o repentinos provocan sorpresa y un cambio brusco en el sistema nervioso (pensar en un susto) ayudando a incrementar el efecto de relajación o euforia/tensión (perfecto para los bajones y subidones respectivamente). Lo caótico, que está relacionado con lo imprevisible y repentino, provoca estrés y por tanto una activación fisiológica (tensión) que puede ayudar a incrementar esa sensación de intensidad que comentaba al principio, aunque si es excesivo puede llegar a marear al oyente, lo que no es adecuado (a no ser que eso sea lo que se busque). El orden, al igual que lo previsible, ayuda a que el oyente se sienta a gusto y cómodo con lo que escucha. Por lo tanto, si realmente se quiere llamar la atención de la gente y euforizarlos, hay que saber mostrar lo imprevisible en lo previsible, lo caótico el orden, con cambios repentinos en una progresión lógica, y así obtener lo mejor de ambos mundos. Esto que os cuento se hace más efectivo en los subidones ya que suelen se el gancho principal del tema y el momento más intenso y más eufórico del tema, pero nada os prohíbe jugar con esto en cualquier parte del tema.
Para que lo entendáis mejor voy a explicaros con algunos ejemplos:
Deactivate: Ejemplo de cambio brusco e inesperado. El bajón resulta bastante tranquilo y psiquedélico y poco a poco (min 3:30) va aumentando progresivamente en intensidad un sonido enérgico que contrasta con los demás sonidos, y cuando parece que va a reventar el tema baja bruscamente de intensidad para mostrar el pasaje menos intenso y más vacío, sin casi elementos, que además parece que van desapareciendo durante el pequeño rato que dura para después, de forma brusca, meter el sonido enérgico de forma plena junto con otros muchos elementos para que sea uno de los momentos más intensos del tema. El bajón inesperado ayuda a impacientar al oyente (que desea que suba ya) que provoca cierta activación fisiológica para darle toda la energía del tema de forma abrupta y así activarle y euforizarle de forma más intensa.
Nik Spriers: Ejemplo de cambio rápido e inesperado. El subidón sube como lo podría hacer cualquier otro tema, pero justo cuando crees que ha subido del todo, ya que le mete todos los elementos, al tercer bombo el rollo se corta eliminando la gran mayoría de los sonidos e incluyendo otro a la vez que con un patrón del bombo distinto al de antes, mostrándote, inesperadamente, que el subidón aún no a terminado. El efecto se repite varias veces antes de terminar rompiendo del todo.
Space tribe: Un ejemplo de caos en el orden. Este caos resulta chocante por lo característico del efecto y que además marea al oyente por lo aleatorio de sus sonidos y lo rápido que varía, lo que hace ponerle en tensión y prepararle para la subida. Después baja un poco la intensidad para ir subiendo de manera más típica y cuando parece que va a reventar después del compas en el que se oye solo la voz, hay otros 2 compases con el sonido del sinte, lo que hace impacientar al público provocando una cierta ansiedad en un pequeño momento para que después suelte toda esa tensión del momento caótico, del subidón y de la impaciencia en el momento en el que revienta y la sensación de energía sea mayor.
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Proteus: Ejemplo de cambio brusco y en cierta manera imprevisto. El bajón resulta muy muy tranquilo, sin ningún elemento intenso. Se sabe que en algún momento va a reventar, pero no hay ningún subidón en sentido estricto, ni ningún elemento más que un “rise” que sube bastante sutil, para que de repente, sin previo aviso, un bajo y una base rítmica muy machacona hagan que el tema suba mucho en intensidad en nada de tiempo.
http://www37.zippyshare.com/v/62605647/file.html
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